Happy Hour - Ciclo de Conversas

2012-02-22T08:24:00.003-08:00

Happy Hour #3 / Tradução / Maria Filomena Molder e Ana e Luisa Yokochi / 18 de Janeiro / Ateliê nº 39 (Vasco Araújo)

2012-02-22T08:22:00.003-08:00

O tema que hoje nos propormos explorar é o da "Tradução", interessa-nos abordar o tipo de problemas que se colocam neste processo criativo, qual o horizonte de expectativas investido no acto de recepção e retransmissão de algo que vem de "fora", de perceber como é que a transferência altera ou não, como se estabelecem equivalências de sentido...

Interessa-nos, o conceito de tradução, enquanto técnica e disciplina mas também num sentido mais amplo; a tradução enquanto tarefa mas também enquanto pensamento; a tradução num mundo alargado mas também em particular no universo artístico e, como é que a procura de uma linguagem actualizada e entrecruzada poderá ser reflectida numa criação que importa, inevitavelmente, outras tradições, linhagens, autorias.

Entre outros textos de Walter Benjamin, Maria Filomena Molder traduziu “A Tarefa do Tradutor” de 1923, onde o autor diz : “Ora, tal como a tradução é uma forma própria, também a tarefa do tradutor, enquanto forma própria, só se pode compreender se for distinguida rigorosamente da tarefa do poeta”, mais à frente, Benjamim sublinha: “a tradução não se encontra, porém, como a poesia, por assim dizer, no próprio interior da floresta da língua, mas sim fora dela, frente a ela, e sem poder entrar nela, ela invoca o original para aquele lugar único, onde, de cada vez, o eco pode fazer ressoar uma obra de língua estrangeira na sua própria língua. Não só a sua intenção visa uma coisa diferente da intenção poética, nomeadamente uma língua na sua totalidade, a partir de uma obra de arte única numa língua estrangeira, como, enquanto tal, é completamente diferente: a intenção do poeta é ingénua, primeira, intuitiva, a do tradutor, derivada, última, idealizada”.

Se a tradução não é recepção, não é comunicação, não é imitação/reprodução.

Será a tradução uma forma redentora?

Para contribuir para a estas e outras questões, as nossas convidadas de hoje:

Ana e Luisa Yokochi

que integram o projecto 100 Folhas, uma empresa de tradução com especial incidência na tradução de textos sobre arte ou artistas. Será curioso destacar das suas biografias que ambas são formadas na área das ciências (Biologia e Química) e em artes visuais (Ar.Co e Maumaus), respectivamente, mas ambas acabaram ligadas à tradução. Irão abordar as questões de transmissão de sentido e do estilo ou qualidade do original que está consciente, ou não, de que irá ser traduzido, e consequentemente, terá uma maior receptividade.

“Talvez por termos nascido numa família internacional (e viciada em livros), e apesar de não termos estudado na área das letras, traduzir sempre foi coisa que fizemos por instinto. Estudámos na área das ciências (Biologia e Química) e artes visuais (Ar.Co e Maumaus), mas acabámos ambas ligadas à tradução, uma actividade que começámos a exercer separadamente há cerca de 20 anos e que se transformou num projecto conjunto no ano 2002. Actualmente, o que mais nos motiva é trabalhar e crescer com a inteligente e versátil equipa plurinacional que tem vindo a juntar-se a nós. Além do contacto com uma enorme variedade de temas, gostamos do desafio de os traduzir.”

Maria Filomena Molder

Professora Catedrática de Filosofia na Universidade Nova de Lisboa.

Desde 1978, escreve sobre problemas de estética, enquanto problemas de conhecimento e de linguagem, para revistas de filosofia e de literatura, entre outras, Filosofia e Epistemologia, Prelo, Análise, Revista Ler, Sub-Rosa, A Phala, Internationale Zeitschrift für Philosophie, Philosophica, Revista Belém, Dedalus, Rue Descartes, Chroniques de Philosophie, La Part de l’Oeil. Desde 1984, escreve para catálogos, e outras publicações, sobre arte e artistas. Das suas obras principais destacamos O Pensamento Morfológico de Goethe, IN-CM,1995; Semear na Neve. Estudos sobre Walter Benjamin, Relógio d’Água, 1999. Prémio Pen-Club 2000 para Ensaio; Matérias Sensíveis, Relógio d’Água, 2000; A Imperfeição da Filosofia, Relógio d’Água, 2003; O Absoluto que pertence à Terra, Vendaval, 2005; Edição de Paisagens dos Confins. Fernando Gil, Vendaval, 2009; Símbolo, Analogia e Afinidade, Vendaval, 2009; Edição de Rue Descartes nº68, “Philosopher au Portugal Aujourd’hui”, 2010; O Químico e o Alquimista. Benjamin, Leitor de Baudelaire, Relógio d’Água, 2011.

2012-01-10T05:28:00.000-08:00

Happy Hour #2 / Produção / Mário Valente e Manuel Henriques / 14 de Dezembro / Ateliê nº 10 (Ângela Ferreira)

2012-01-10T05:26:00.000-08:00

Quando delineámos os temas e relação de convidados para este ciclo, a primeira preocupação foi não só a de escolher temas pertinentes e actuais mas também abrangentes para que cada intervenção e contribuição dos convidados fossem suficientemente específicas, vindas da sua própria experiência e perspectiva.

Perante o conjunto de temas, decidimos alternar, na calendarização das conversas, assuntos de enfoque mais teórico com um mais pragmático, ou de ordem prática. Não por isso menos fundamental na concretização d processo artístico, da sua apresentação ou recepção.

A figura do produtor, alavanca essencial, em qualquer actividade de expressão cultural nos dias de hoje, continua a ser uma actividade que se mantém numa certa sombra.

No entanto, uma das questões que colocámos, desde o início, prendia-se com de que forma é que a produção, sendo um trabalho quase invisível, de bastidores, dialoga com o processo artístico, no caso do contacto directo com o artista/arquitecto, ou na relação de trabalho com um curador?

Como é que se dá esta colaboração? É fluida ou não? Informam-se e são interdependentes mas até que ponto é que enformam o resultado final? Ou mesmo, de que modo é que o contributo da produção pode transformar um projecto?

Para nos confrontarmos com algumas destas perguntas e sugerir outras questões, convidámos dois produtores com extensa actividade na divulgação artística em Portugal e estrangeiro; e que no entanto, têm esta presença quase que fantasmagórica na dinamização, ou no fazer acontecer da arte, da cultura: Mário Valente e Manuel Henriques.

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Mário Valente

Estudou fotografia e artes visuais na Escola Maumaus (1993-1997), frequentando mais tarde a pós-graduação em curadoria e organização de exposições (FBAUL / FCG, 2002). Entre meados dos anos 1990 e 2003 trabalhou na Escola Maumaus, nas áreas do ensino da fotografia, produção de exposições e de publicações, em colaboração com um vasto conjunto de entidades e instituições nacionais e estrangeiras. Foi assistant curator no Centro de Exposições do CCB em 2003. Entre 2004 e 2008 integrou o Gabinete de Artes Visuais do Instituto das Artes (actual DGArtes), onde, entre outros, coordenou a produção das representações nacionais na Bienal de Veneza (2005 e 2007) e programas de apoio às Artes Visuais. É desde 2008 coordenador de produção de exposições na Culturgest, em Lisboa.

Manuel Henriques

Foi consultor nas áreas de Arquitectura e de Design na Direcção-Geral das Artes do Ministério da Cultura desde 2003, coordenou as representações oficiais portuguesas nas bienais de Arquitectura de Veneza e São Paulo. Produziu as exposições Siza Modern Redux em São Paulo e Arquitecturas em Palco na Quadrienal de Praga. Presidiu a inúmeras comissões de apreciação dos Programas de Apoio financeiro a Projectos Artísticos. Colaborou com Inês Lobo Arquitectos, foi produtor na Associação Experimenta e estagiou nos Diener & Diener Architekten Basel. Co-comissariou e produziu duas exposições de arte contemporânea portuguesa em São Francisco, enquanto co-dirigiu a Galeria ZDB. Trabalha em várias frentes de criação e produção, colaborando regularmente com arquitectos, artistas, cineastas e performers, como interveniente activo, em palco ou nos bastidores. É, desde Setembro de 2011, Director Executivo da Trienal de Arquitectura de Lisboa.

2011-12-07T15:47:00.000-08:00

Happy Hour #1 / Ateliê / Liliana Coutinho e Vera Mantero / 23 de Novembro / Ateliê nº 15 (Inês Botelho/Mafalda Santos/Susana Gaudêncio)

2011-12-07T03:40:00.000-08:00

Porque as conversas deste ciclo acontecem sempre nos ateliês de artistas, cedo nos apercebemos que a primeira conversa do Happy Hour, o motor de arranque deste ciclo, deveria ser dedicada, precisamente, a uma reflexão sobre o Ateliê.

Estas conversas poderão representar uma espécie de interrupção na essência deste local. Espaço em que os criadores se encontram em permanente saída e em constante retorno.

O ateliê é suporte, assunto, estrutura, condição ou contradição?

Reconhecemos, ainda, que o ateliê enquanto campo de trabalho encontra-se hoje em profunda mutação. E há quem o recuse. Vera Mantero, uma das nossas convidadas de hoje, dizia, numa troca de emails,

“eu não "pratico" o Ateliê como uma artista plástica certamente o fará e mesmo que se tentasse transpor a ideia para o Estúdio, o estúdio de dança enquanto Ateliê para um coreógrafo ou bailarino, a verdade é que eu também não "pratico" o estúdio, é um lugar onde só vou trabalhar mesmo quando tenho ensaios marcados e coisas afins programadas, de resto trabalho em casa, ...”

Da perspectiva de Liliana Coutinho, como referiu num artigo publicado na Pangloss,

“visitar um ateliê é criar um espaço de conversa”.

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“O que pode ser um ateliê? Não há uma resposta. (...) O ateliê emerge da prática de cada artista. É no diálogo com a prática que a resposta a esta pergunta vai emergindo. (...) Interessa pensar que formas é que existem de fazer com que o mundo entre no ateliê? (...) Esse mundo do qual emerge a obra, com o qual ela está em constante relação. Como é que o mundo entra em contacto com o próprio processo artístico.” (excerto da intervenção de Liliana Coutinho)

Não é verdade que eu não uso o estúdio. (...) A maior parte do tempo eu não estou lá. Eu não sei se posso não estar lá tanto tempo porque já lá estive muito tempo. (...) Seria maravilhoso ter um espaço onde eu posso ir não fazer nada. (...) Também há a tentação de nunca ir para lá e de entender tudo antes. Há uma série de coisas que só são resolvíveis e entendíveis ao ir ‘lá para dentro’. (...) Aquilo parece um forno.” (excerto da intervenção de Vera Mantero)

Liliana Coutinho

Nasceu em Lisboa em 1977, vive e trabalha entre Lisboa e Paris. Licenciada em Escultura pela Universidade do Porto, é mestre em Estudos Curatoriais, pela Universidade de Lisboa e termina tese de doutoramento na UFR04-École Doctorale d’Arts Plastiques, Cinema et Sciences de L’Art, da Université de Paris 1 – Pantheon-Sorbonne, com uma investigação sob o tema: «Pour un discours sensible – sur la capacité cognitive du corps dans l’expérience de l’art».

Trabalha como curadora e investigadora na área da Arte Contemporânea, colaborando actualmente com o CAM – FCG, Re.Al e Forum Dança. Foi colaboradora dos Serviços Educativos do Museu de Serralves e do Centro de Arte Moderna José de Azeredo Perdigão - FCG. Pertence à Associação Internacional de Estética.

É autora de Ana Vieira – o que existe nos interstícios da figura? (Ed. Caminho) e coordenou a revista Marte n°3, sobre Performance. Escreveu para exposições e catálogos, publicou em revistas como “Sinais de Cena” e “Pangloss”. Deu conferências em Portugal, Turquia, Holanda, Eslovénia, Brasil e França. Membro da AICA. Colaborou na revista L+Arte.

Vera Mantero

Estudou dança clássica com Anna Mascolo e integrou o Ballet Gulbenkian entre 1984 e 1989. Começou a sua carreira coreográfica em 1987 e desde 1991 tem mostrado o seu trabalho por toda a Europa, Argentina, Brasil, Canadá, Coreia do Sul, EUA e Singapura.

Dos seus trabalhos destacam-se os solos “Talvez ela pudesse dançar primeiro e pensar depois” (1991), “Olympia” (1993) e “uma misteriosa Coisa, disse o e.e.cummings*” (1996), assim como as peças de grupo “Sob” (1993), “Para Enfastiadas e Profundas Tristezas” (1994), “Poesia e Selvajaria” (1998), “Até que Deus é destruído pelo extremo exercício da beleza” (2006) e a sua última criação “Vamos sentir falta de tudo aquilo de que não precisamos” (2009). Participa regularmente em projetos internacionais de improvisação ao lado de improvisadores e coreógrafos como Meg Stuart, Steve Paxton e Mark Tompkins. Desde o ano 2000 dedica-se igualmente ao trabalho de voz, cantando repertório de vários autores e co-criando projetos de música experimental.

Representou Portugal na 26ª Bienal de São Paulo 2004 com o trabalho “Comer o Coração”, criado em parceria com o escultor Rui Chafes.

No ano de 2002 foi-lhe atribuído o Prémio Almada (IPAE/Ministério da Cultura Português) e no ano 2009 o Prémio Gulbenkian Arte pela sua carreira como criadora e intérprete.

2011-11-16T09:57:00.000-08:00